Mis referentes

Parto de la premisa de que mi formación como fotógrafo ha venido siendo autodidacta y carente casi de referentes hasta hace bien poco. Ha sido en los tres o cuatro últimos años cuando de veras me he interesado en el trabajo de otros fotógrafos buscando aprender de su obra.

De los muchos y grandes maestros que he conocido voy a establecer como mis referentes a los siguientes cinco autores: David Hamilton, Arnold Newman, Garry Winogrand, Dorothea Lange y Paul Strand, con los que me identifico en mayor o menor medida por las razones que ahora expondré.

David Hamilton
El fotógrafo y cineasta inglés David Hamilton, aún vivo, famoso desde finales de los sesenta por sus series de retratos de mujeres adolescentes desnudas o semidesnudas, es el único referente de mi primera etapa que todavía conservo.

Hamilton desarrolla su trabajo sobre la idea del erotismo y posee un estilo característico en el que suelen predominar los colores suaves, atmósferas difuminadas y el grano grueso, que se ha dado en llamar hamiltoniano (efecto flow). Utiliza un tipo muy definido de modelo que está en torno a la adolescencia y que transmite perfección, elegancia innata, naturalidad, inocencia y sutil sensualidad y ternura.

David Hamilton

Me atrae de Hamilton el tierno erotismo de sus imágenes, en las que sensibilidad y ternura, delicadeza y dulzura son notas clave que definen una sinfonía de luz y color, en donde sentimientos y emociones encuentran un lugar común de representación.

Me identifico con su estilo fotográfico, que he tratado de imitar en múltiples ocasiones en mis imágenes, sobre todo en mis primeros años de fotógrafo.

Arnold Newman
Arnold Newman está considerado como uno de los grandes retratistas en el campo de la fotografía (nació en Nueva York el 3 de marzo de 1918 y murió el 6 de junio de 2006, también en Nueva York), por su cámara pasaron las más importantes personalidades de la sociedad americana y del resto del mundo entre políticos, actores, escritores y artistas ,entre los que están: la actriz Marilyn Monroe, el jugador de béisbol Joe Di Maggio, los pintores españoles Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí y Antoni Tápies, el físico J. Robert Oppenheimer padre de la bomba atómica, los presidentes estadounidenses Dwight Eisenhower y John F. Kennedy, el primer ministro británico Winston Churchill, o el General Francisco Franco, en un impactante e inusual retrato de 1964, con todo el aura autoritaria de un dictador.

Si observamos las fotografías de Newman, veremos cómo, a pesar del paso del tiempo, son de todo menos desfasadas. Aquellas donde retrató a Stravinsky son auténticas joyas artísticas. Sabía componer y encuadraba muy bien, rompía moldes y así lo dejó entrever en sus primeros trabajos, en los que retrataba la calle.

Para Newman “el entorno ha de contribuir a la composición y a la comprensión de la persona. El segundo plano tiene que sumarse a la composición y ayudar a comprender al personaje. Hacer sólo el retrato de alguien famoso no significa nada. No importa el tema, tiene que ser una fotografía interesante. No hacemos fotografías con nuestras cámaras, sino con nuestros corazones y nuestras mentes”.

Arnold Newman

Me atrae de este autor su peculiar forma de acercarse a sus famosos retratados, su manera de componer el espacio, de situar al protagonista en el lugar que le corresponde en la toma, y el modo que tiene de reinventar encuadres y trabajar con absoluta precisión el blanco y negro. Admiro su forma de retratar a sus personajes y me gustaría tener tan solo una pequeña parte de su intuición y savoir faire a la hora de componer retratos.

Garry Winogrand
Garry Winogrand fue un fotógrafo americano (Nueva York, 1928 – 1984) practicante y pionero de la fotografía callejera (“street photography”).
En su trabajo puede verse la influencia de Walker Evans y Robert Frank, al igual que la de las obras publicadas en las revistas American Photographs y The Americans. Nunca buscaba una “foto bonita”. Recorría las calles de Nueva York con su cámara Leica M4 y un objetivo gran angular preenfocado, tomando fotografías muy rápidamente. Con frecuencia su cámara estaba inclinada en el momento del encuadre lo que generaba unas fotografías con un horizonte no paralelo, causando una considerable extrañeza en el espectador.

Su frase “No hay nada tan misterioso como un hecho claramente descrito” nos muestra cuál era su modo de hacer fotografía, pues sus imágenes son claras estampas de momentos reales, donde regala toda la información posible, pero que al mismo tiempo se nos antojan complejas y tal vez misteriosas.

A Garry Winogrand se le conoce como “cronista de América”, debido a que realizó un retrato exhaustivo de la Norteamérica de los años 60 y 70 de la misma manera que anteriormente lo había hecho Robert Frank. Estaba asimismo interesado por el papel de los medios masivos de comunicación a la hora de conformar las actitudes de las personas.

La luz es muy importante en muchas de sus imágenes, en las que nos regala un complejo juego de luces y sombras en el asfalto. Como también lo son los rostros, muy cercanos, fruto de una fotografía que no tiene miedo a acercarse al sujeto, a encuadrarlo en las distancias cortas, haciendo de esa manera que nos sintamos parte de esa imagen, que la vivamos no como espectadores sino cómo aquel que podía estar cruzando un paso de cebra en Nueva York al mismo paso que un señor con gabardina y sombrero.

Winogrand murió de cáncer en 1984, dejando más de 300.000 imágenes sin editar, muchas de las cuales ni siquiera había revelado (unos 6500 carretes).

Garry Winogrand

Me identifico con este autor respecto al desarrollo de su trabajo sobre la idea de la fotografía callejera, al tiempo que hago mía su declaración, cuando dijo “A veces siento como si […] el mundo fuera un lugar para el que he comprado una entrada. Un gran espectáculo dirigido a mí, como si nada fuera a suceder a menos que yo estuviera allí con mi cámara”.

Dorothea Lange
Dorothea Lange fue una fotógrafa estadounidense (nacida en 1895 en Hoboken, EE. UU. y fallecida en 1965 en San Francisco) cuyas fotografías humanistas sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial.

Dorothea Margarette Nutzhorn, el verdadero nombre de Lange, apellido de su madre, sufrió poliomielitis con siete años quedando muy debilitada y con serias malformaciones en los pies, consecuencias devastadoras para una niña pero que no doblegaron en momento alguno su increíble tenacidad.

Su estilo fotográfico es el de la fotografía humanitaria. Una de las características presentes en casi toda su carrera es su fantástica habilidad de llegar a robar las almas del espectador que mira las fotografías, algo que consigue siempre a través de una característica que es su gran humanidad.
Dorothea Lange, la fotógrafa del pueblo (o al menos es lo que rezaba su tarjeta de visita), cuya formación fotográfica fue de índole purista y pictorialista, abrió pronto un estudio en San Francisco, pero es su salida a la calle y el encuentro con el pueblo como reportera lo que marcó definitivamente la identidad de su trabajo.

Contemporánea de Walker Evans, sus fotografías comparten la mirada digna y limpia de dicho autor pero ganan en humanidad, pues son más cercanas. Son imágenes nacidas de una tremenda conciencia social y de su propia superación. Dorothea Lange fue un ejemplo de superación en lo personal y en lo profesional, huyendo de los estereotipos de una época convulsa y oscura que buscaba preservar el sueño americano por encima de cualquier cosa ocultando todo aquello que no interesaba, se encargó de poner rostro a las consecuencias de la crisis y denunciar situaciones realmente impensables para una gran parte de la sociedad norteamericana.

Dorothea Lange

Emulando a María Santoyo, si queréis conocer mejor a esta gran fotógrafa, que para mí es un claro referente de superación personal, os recomiendo que leáis el libro “Dorothea Lange: A Life Beyond Limits” escrito por Linda Gordon en 2009.

Paul Strand
Paul Strand, fotógrafo americano (nacido en 1890 en Nueva York y fallecido en 1976), hijo de una familia inmigrante de Bohemia (República Checa), fue uno de los precursores de la «fotografía directa» o «fotografía realista», junto a Alfred Stieglitz y otros fotógrafos de la “Photo-Secession” y la “Galería 291”, además de un reputado cineasta.

Fue precisamente Alfred Stieglitz quien cambió la vida fotográfica de Paul, cuando “criticó el foco suave en las fotografías que Strand estaba mostrando en el New York Camera Club y le recomendó utilizar un diafragma más pequeño. Esto provocó que 1915 se convirtiera en un punto de inflexión para Strand del pictorialismo al modernismo”.

El abandono de la aproximación pictorialista comienza a acercar a Strand al registro fotográfico directo de modo que “es considerado, con razón, uno de los fundadores de la fotografía documental moderna”. Su rechazo a las imágenes pictorialistas le empujó a las calles de Nueva York. Quería fotografiar la ciudad, la gente tal cual se veía en los parques, sin posar, sin saber que eran fotografiados. Por eso, ideó una cámara oculta con una lente falsa.

El propio Strand explica: “El fotógrafo documental dirige su cámara hacia el mundo real para registrar su autenticidad. Al mismo tiempo, busca la forma para organizar de manera eficiente su material. La forma y el contenido están interrelacionados. Los problemas presentados por el contenido y la forma deben ser resueltos respetando la realidad que vemos. El problema principal es encontrar una forma que represente adecuadamente la realidad”. Unos años más tarde (en 1924) Strand explicaría a los estudiantes de la Escuela de Fotografía de Clarence Hudson White “la necesidad de liberar a la fotografía de su dominación por la pintura, reconociendo en cambio que la cámara tiene su propia estética”.

Paul Strand 1

Además del entrecruce de lo estético y lo documental, Strand es el iniciador de ese espíritu por rescatar lo cotidiano y dotarlo de dignidad y belleza. Es precisamente en “White Fence, Port Kent, 1916, donde Strand realiza lo impensable: hacer de una cerca su motivo fotográfico para centrarse en los elementos geométricos. Era el inicio del movimiento modernista.”

Strand siempre buscó el dotar de dignidad y fuerza a sus retratados y solía decir “Una cosa es fotografiar a la gente y otra hacer que los otros se preocupen de ellos al revelar el núcleo de su humanidad”.

Paul Strand 2

                                          Paul Strand. The Family, Luzzara, Italy (ca. 1953)

El retrato que hizo de una familia en Luzzara (Italia) es una foto construida que se ajusta a ese lema. Strand arma un tableau vivant donde organiza a cada miembro de la familia para obtener una composición en los términos que buscaba el autor. Su aproximación directa jamás estuvo desprovista de una búsqueda estética dentro de un lenguaje fotográfico libre de adulterados amaneramientos. Y es que Strand “defendía la objetividad, tanto en fotografías de formas geométricas abstractas como en retratos de personas marginadas“.

Admiro a este gran autor por su triple legado al arte fotográfico. Cada etapa de Strand fue una aportación a la historia de la fotografía: haber sido el puente de transición hacia el modernismo fotográfico en el siglo XX, dignificar el lenguaje autónomo propio de la fotografía con su estética peculiar a partir de la toma directa, o ser un fotógrafo humanista que buscó honrar a la persona.

En los años 30, Strand desarrolló un activismo político que lo llevó a vivir en México, visitar la URSS y exiliarse de EEUU en protesta por el maccarthismo. Murió en Orgeval (Francia) en 1976.

Me gustaría haberlo conocido personalmente para felicitarle por su trabajo, pues de los rostros humildes de la Norteamérica diezmada por la depresión a las flores de su jardín, para Strand toda realidad, por anónima y cotidiana que fuera, merecía una imagen.

Carlos Carneiro

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